‘Tribute’: notas sobre un doble homenaje

Breve introducción

Tribute es una pieza compuesta en agosto del 2021, escrita para flauta, clarinete y trío de cuerdas. Esta pequeña obra la compuse para el Oregon Bach Festival Composer Symposium 2021, que organizó varias semanas de encuentros, debates y presentaciones. Como resultado final prepararon cuatro conciertos virtuales bajo el título general de Music of Hope & Resilience. Teniendo en cuenta este amplio título, decidí componer una obra en homenaje a Oswaldo Payá y Harold Cepero, quienes, a mi entender, fueron asesinados por la dictadura cubana el 22 de julio de 2012.

Breve comentario y descripción de la obra

Al principio pensé en escribir una pieza más larga y que transitara por distintas zonas contrastantes, teniendo como modelo la pieza compuesta en 2013 para viola sola Lamentación, dedicada igualmente a la memoria de Oswaldo y Harold e interpretada en la primera misa realizada en homenaje a ellos en La Habana, en la iglesia del Cementerio Colón. Al tiempo que iba armando el material para la obra, se sucedieron las históricas manifestaciones del pasado 11 de julio, donde el pueblo cubano alzó su voz pidiendo libertad. Los graves acontecimientos, toda la represión desatada por la dictadura cubana para doblegar las voces y los justos reclamos ocuparon necesariamente mi atención y mi voluntad; sin embargo, eso no hizo que abandonara el proyecto de componer esta pieza, sino que buscara con mayor eficacia el centro del drama que quiero evocar.

Es por eso que decidí que fuera como una pieza epitafio, una pieza concentrada prácticamente en poco más de un minuto, y que me propongo que dialogue en varios niveles con el vacío, con el silencio, con la violencia. Esta relación ciertamente abstracta la busco mediante el establecimiento de dos zonas temporales contrastantes, las dos intervenciones del trío de cuerdas con sus gestos expresivos y condensados, ​​y la alternancia de un unísono del clarinete y la flauta. El trío de cuerdas destaca la brutalidad y la tragedia, mientras que el dúo al unísono intenta gestionar una densidad temporal extendida en el vacío mismo.

El comienzo de la pieza se establece como ruptura; se rompe el silencio previo a la ejecución con violencia; se abre una zona expresiva y condensada protagonizada por el trío de cuerdas, que rápidamente deja solo al clarinete. Las diversas subdivisiones rítmicas del trío de cuerdas, los glissandos, acentos, vibratos, scratches, y los distintos intervalos con afectaciones micro-tonales, producen una saturación de la información que necesariamente produce desconcierto. Al quedar solo el clarinete sobre la altura de Mi bemol, comienza entonces el centro de la pieza, que es este diálogo entre el clarinete y la flauta sobre la misma altura.

El unísono es para mí una imagen del vacío. Mantener un tono y extenderlo tanto tiempo (teniendo en cuenta el contraste con la condensación del comienzo) puede provocar igualmente mucha tensión. Las transiciones entre la flauta y el clarinete establecen otro nivel de acontecimientos rítmicos en un plano muy lento e impredecible. La dualidad de sonido puro e impuro en la flauta contrasta con la impasibilidad y pureza del sonido del clarinete. Cada vez queda más tiempo a la flauta hasta que intervienen por segunda vez el trío de cuerdas. Una vez más, esto produce un corte sorprendente e impredecible, una saturación de información que desaparece rápidamente dejando esta vez a la flauta, que sostiene el sonido Mi bemol con mezcla de aire; finalmente concluye el clarinete con una transición de intensidad muy rápida sobre esta misma altura, y así concluye la obra.

Conclusión

Este final abrupto que probablemente deje a muchos en la incertidumbre y que extiende ese vacío contrastante surgido con posterioridad a la obra, pero que forma parte de ella, es también un mensaje importante y central. Ante el horror provocado por la violencia y la injusticia quedamos perplejos. Hay un vacío que nos hiere profundamente; nuestras intenciones, nuestros deseos quedan suspendidos y revelan su flaqueza. Sin embargo, ahí mismo, desde ese mismo lugar desierto, podemos encontrar el misterio del amor de Dios, que, como a José Martí después de vivir la extrema experiencia del presidio en aquella Cuba colonial, le hizo decir ante los verdugos: “Dios existe y yo vengo en su nombre”; y más adelante: “Ni os odiaré, ni os maldeciré”.

Finalmente, pensando en ejemplos cubanos de esperanza y resiliencia, me concentré en Oswaldo y Harold, porque fueron dos personas llenas de vida y deseos de una Cuba diferente donde el respeto, la diversidad y la democracia fueran posibles. A pesar de todos los riegos y amenazas, ellos sostuvieron la esperanza, porque su lucha es la eterna lucha por lograr el bien social, y la sagrada esperanza del Bien trascendente. Esta obra musical breve y condensada propone, desde la propia abstracción sonora, un encuentro directo con la tragedia de la injusticia y el abuso violento del poder, pero siempre sosteniendo la esperanza y la resiliencia que nace de la propia crudeza y desolación.

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Con esta breve obra espero abrir una puerta hacia el conocimiento de sus vidas, y el mensaje que ellas nos dan a todos los cubanos y a todos aquellos que busquen el bien. Con este pequeño tributo agradezco el ejemplo que ellos eternamente nos darán, porque, como bien dijo Oswaldo y como bien demostraron los dos, muchas veces, con sus testimonios de vida: “La primera victoria que podemos declarar es que no tenemos odio en el corazón”.