Exposición de mujeres artistas en el MoMA distingue la fotografía como herramienta de resistencia al poder

Nadie negará que el rol de las mujeres cobra cada vez mayor relevancia en las artes visuales. El lugar ocupado por ellas en este ámbito ha resultado de una revisión crítica de los relatos históricos que, durante siglos, han favorecido a los hombres. Ahora, por fortuna, se ha vuelto recurrente las exposiciones, coloquios, eventos… comprometidos con la visibilización de los valores y aportes del sujeto femenino en la creación artística.

Justo por estos días, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) ha urdido una exposición para profundizar en los vínculos entre las historias del feminismo y la fotografía. Disponible durante aproximadamente seis meses, entre el 16 de abril y el 2 de octubre de 2022, la muestra, titulada Our Selves: Photographs by Women Artists from Helen Kornblum, ofrece relato elocuente sobre “cómo las mujeres artistas han hecho de la fotografía una herramienta de resistencia”.

El concepto curatorial, según se explica en la página oficial del museo, procura reformular “las nociones restrictivas de la feminidad al explorar las conexiones entre fotografía, feminismo, derechos civiles, soberanía indígena y liberación queer”. Y, en tal sentido, Our Selves… busca también promover proyectos colaborativos que investiguen las contribuciones de la mujer en dicha experiencia artística, y la manera en que ha favorecido la transgresión de ideologías ensordecedoras y la desalienación de las miradas.

La exposición “abarca más de 100 años de fotografía, desde los primeros registros documentales de Frances Benjamin Johnston, sobre la segregación racial en la educación estadounidense a finales del siglo XIX, hasta un retrato contemporáneo de la artista […] Cara Romero que celebra la especificidad de las formas de arte indígena”, e incluye una amplia diversidad de prácticas estéticas: “retrato, fotoperiodismo, documentación social, experimentación de vanguardia, publicidad y performance”. Organizada por la curadora Roxana Marcoci, en colaboración con Dana Ostrander y Caitlin Ryan, miembros del Departamento de Fotografía del MoMA, la exposición es posible gracias a la inapreciable donación a los fondos del museo de un centenar de obras pertenecientes a 76 artistas de diversas épocas y regiones que hiciera en 2021 la coleccionista Helen Kornblum, miembro del comité de fotografía de esta institución desde el año 2014. 

Our Selves… presenta trabajos, entre otras importantes fotógrafas, de Dora Maar, Carrie Mae Weems, Louise Lawler, Susan Meiselas, Lorna Simpson, Sharon Lockhart, Cara Romero, Gertrud Arndt, Lola Álvarez Bravo, Kati Horna, Consuelo Kanaga, Flor Garduño, Lotte Jacobi, Lucia Moholy, Tatiana Parcero, Rosemarie Trockel, Lorie Novak, Candida Höfer, Hulleah J. Tsinhnahjinnie, Graciela Iturbide, Ana Mendieta, Marta María Pérez Bravo y Mariana Yampolsky. Algunas de estas autoras han disfrutado ya de exposiciones en el MoMA, mientras otras ingresan por primera vez a sus salas y a su colección permanente. La variedad de artistas incluidas deja ver, precisamente, los múltiples caminos emprendidos por la fotografía desde la época moderna hasta la contemporaneidad, en sus esfuerzos por articular (contra)historias resistentes al poder.

En las obras exhibidas se podrá apreciar cómo, desde las culturas más desemejantes y los más variados contextos de enunciación, las mujeres –estimuladas en gran medida por su condición genérica– han puesto este medio en función de examinar la segregación racial, explorar las determinaciones culturales del cuerpo, condenar los estereotipos sexuales y de género, desmontar el patriarcado y la práctica colonialista, escrutar las representaciones históricas y los usos contemporáneos de la indigeneidad, y denunciar las desigualdades sociales, por sólo mencionar algunas de las líneas discursivas que emergen en Our Selves… La exhibición demuestra que la fotografía realizada por mujeres ha sido, a lo largo del tiempo, además de estéticamente relevante, decididamente política y militante.

Se pueden disfrutar, por ejemplo, las creaciones de Carrie Mae Weems, estadounidense que registra en sus fotos los mecanismos del poder que modelan la identidad de las mujeres afrodescendiente. Asumiendo su propia imagen como protagonista de las obras, Weems subraya la diferenciación de las mujeres negras y de la cultura diaspórica como una fuerza social trasformadora. De su trayectoria artística se incluyen en la muestra del MoMA piezas relevantes como Untitled (Woman and Daughter with Makeup), que invoca una meditación acerca de cómo los patrones de belleza occidentales controlan las identidades afrodescendientes femeninas. Una operación crítica similar despunta en las fotos de otra estadounidense, Louise Lawler, autora que integró la Pictures Generation –grupo de artistas que, según explica la curadora, en los años setenta, empleó las propias estrategias de los mass media para desmontar los códigos con que representaban a las mujeres–. Lawler invita a pensar cómo las instituciones, incluidas las artísticas, constituyen espacios de construcción ideológica que estructuran los roles de género.

La californiana Hulleah J. Tsinhnahjinnie constituye otra atractiva propuesta de Our Selves…: su trabajo se consagra al cuestionamiento de las narrativas xenófobas y colonialistas. La mirada de esta artista registra las culturas nativas norteamericanas, y cuestiona los estereotipados discursos etnográficos y las políticas de identidad que sobre ellas circulan en la industria del entretenimiento. También hacia las comunidades originarias enfoca su lente Cara Romero, una autora que ha dedicado su obra a condenar la comercialización de las culturas indígenas. Sus instantáneas consuman, a través del registro de escenas cotidianas (y relatos orales), un alegato sobre las formas de resistencia desarrolladas por estas comunidades en la sociedad contemporánea.

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Otra creadora notable incluida en la exposición es Tatiana Parcero. Sus obras exploran la relación entre las identidades femeninas y el medio natural. Sus simbólicas composiciones utilizan el cuerpo, por lo general el propio, como metáfora reflexiva sobre la singularidad de la experiencia humana en la totalidad del Universo. Gertrude Yampolsky es otro nombre que, sin dudas, llama la atención dentro de la nómina. De padres europeos, Yampolsky nació en los Estados Unidos, pero se estableció en México, lo cual explica la base intercultural de su propuesta artística. Sus fotos están al servicio de la vida social, las costumbres, las tradiciones y la vida doméstica del país latinoamericano; las últimas series que realizó se ocupan de la comunidad chicana en Estados Unidos. Vale destacar también el trabajo de la alemana Candida Höfer, sobre todo porque su fotografía, principalmente la que realizó durante los noventa, toma distancia de los discursos “de la diferencia” para apostar por una exploración en torno a las potencialidades estéticas del soporte fotográfico. Ella suele retratar interiores donde, ausente por completo la figura humana, insiste en la iluminación, la perspectiva, las líneas composicionales, los puntos de fuga…

La interesante curaduría de Our Selves…, que renuncia a un recorrido cronológico a favor de una disposición interseccional motivada por las teorías queer, afrodiaspóricas y poscoloniales, incluye la obra de dos importantes artistas cubanas: Ana Mendieta y Marta María Pérez Bravo. Mendieta solía tomar su propio cuerpo como soporte para trasuntar la coerción y la segregación a que ha sido sometido el sujeto femenino, y desmitificar las construcciones identitarias de la mujer en una sociedad falocéntrica. En especial, su trabajo performático, del que quedan impactantes registros, ha devenido relevante por la manera en que hacía de la ritualidad de los universos religiosos afrocubanos e indígenas de América Latina un espacio de meditación acerca del rescate de las tradiciones y el impacto de la modernización en la naturaleza. Pérez Bravo ha devenido particularmente importante, entre otras cosas, por la potencia con que, en el momento de su irrupción en el contexto cubano, insertó el símbolo “mujer” en el ámbito de la fotografía. Explorando temáticas como la insularidad, las religiones populares y la conciencia política, también a través de la escenificación de su cuerpo, esta autora documenta los cauces de su subjetividad en estrecha relación con los relatos históricos e identitarios de la cultura nacional. En Cuba, durante la década de los ochenta, ella consiguió una apertura semántica del género fotográfico que demostró cómo dicho soporte podía argumentar, con la consistencia estética de otras prácticas, sobre los debates medulares de la época.

En el catálogo que acompaña esta exposición, Roxana Marcoci insiste en que el conjunto de obras reunidas activa nuevas lecturas capaces de trasgredir las jerarquías existentes que promueven las desigualdades de género; el discurso activado por el concepto curatorial apuesta por la construcción de una historia del arte más inclusiva y trasnacional, que trascienda los modelos binarios de “producción cultural, sexualidad, performatividad de género, interconexión e inteligencia colectiva”.

Our Selves… se construye desde la interseccionalidad: “exigiendo nuevas valoraciones críticas de las especificidades de las políticas de género dentro de los sistemas asimétricos de poder”. Asegura la curadora que “el cuerpo de trabajo de Our Selves… es un paso significativo hacia la concepción de mundos relacionales más complejos en los que estas nuevas Historias importan”. Asimismo, la exposición abriría “posibles rutas de investigación que intentan reparar las omisiones de la historia, reencauzar la agencia de las mujeres y reforzar el arduo trabajo de reinscribir a figuras excluidas con demasiada frecuencia”.